Traditioneel Japans theater wordt opgevoerd in verschillende vormen waaronder: Noh, Kabuki en Bunraku. In dit artikel vertellen we je alles wat je moet weten over Noh (能) in de Complete Guide to Japanese Theatre [VOLLEDIGE GIDS]. Weet dat het een vorm van theater is met muziek, dans en lyrische verhalen. Het ontstond in Japan in de 12e en 13e eeuw. Het Geen Masker is een symbolische artistieke voorstelling.
1. OORSPRONG JAPANS THEATER
De term Noh is een afgeleide van nō, wat “talent” of “vaardigheid” betekent. De acteurs in dit dramatische werk zijn niet zomaar “acteurs”. Noh-acteurs zijn in de eerste plaats vertellers die hun visuele verschijning en bewegingen gebruiken om de essentie van een episch verhaal te suggereren in plaats van het op te voeren.
Er gebeurt weinig in een Noh-drama omdat opgeleid publiek de plot van het verhaal meestal al kent. In feite waarderen zij eerder de symbolen en subtiele toespelingen op de Japanse cultuurgeschiedenis in de woorden en bewegingen dan het acteerwerk alleen.
Deze Japanse kunst ontwikkelde zich uit oude vormen van dansdrama en verschillende soorten feestdrama in heiligdommen en tempels die in de 12e of 13e eeuw waren ontstaan.
Deze toneelvorm werd ontwikkeld met de kyogen, komische toneelstukken die worden opgevoerd tijdens de tussenspelen van de belangrijkste Noh-voorstelling. De dubbele kunst van Noh en kyogen staat bekend als nogaku.
Deze dramatische kunst zoals we die nu kennen werd gepopulariseerd en geformaliseerd door een man genaamd Zeami tijdens de Muromachi periode (1333-1573). Het was Zeami’s werk dat overheidssteun voor deze kunstvorm aantrok.
Ongeveer 2.000 No-teksten zijn door de tijd en de geschiedenis heen bewaard gebleven (waarvan er nog ongeveer 230 in het moderne repertoire voorkomen). Zeami (1363-1443) en zijn vader, Kan’ami Kiyotsugu (1333-84), schreven veel van de mooiste en meest voorbeeldige Noh-teksten, waaronder Kan’ami’s Matsukaze (“Wind in de dennen”) en Zeami’s Takasago.
Zeami formuleerde ook de principes van het Noh-theater die de uitvoerders eeuwenlang hebben geleid. Zijn Kakyō (1424; “De Spiegel van de Bloem”) beschreef de compositie, voordracht, mime en dans van de performers, evenals de principes van Noh enscenering.
Deze vormden het eerste grote principe van dit dramatische genre, dat Zeami omschreef als monomanie, of “de nabootsing van de dingen”. Hij gaf advies over de selectie van klassieke personages om uit te beelden, hetzij uit de legende of uit het leven, en over de juiste integratie van het visuele, melodische en verbale om het oog en oor van de geest te openen voor de opperste schoonheid die hij kristalliseerde in het tweede grote principe, yūgen. Letterlijk betekent het ‘donker’ of ‘duister’, yūgen suggereert een schoonheid die slechts gedeeltelijk wordt waargenomen; volledig voelbaar maar nauwelijks zichtbaar voor de kijker.
Helaas viel Zeami later uit de gratie bij de regering en werd verbannen naar het eiland Sado. Tot op heden zijn er vijf grote No-theatergroepen die hebben overleefd en nog steeds optreden…
De theatrale kunst van Noh werd voortdurend verfijnd tot de jaren van de Tokugawa periode (1603-1867), toen de shogun Noh tot zijn officiële ceremoniële kunst maakte en er voorschriften voor uitvaardigde.
Het werd een ceremonieel drama uitgevoerd bij speciale gelegenheden door professionele acteurs voor de Samurai krijgersklasse. Japanse toneelstukken werden opgevoerd naargelang de gelegenheid voor :
- Ik wens een gebed voor vrede,
- hopend op een lang leven
- Of bijvoorbeeld om te hopen op de welvaart van de sociale elite.
Buiten de Japanse adellijke huizen waren er echter weinig voorstellingen die het Japanse volkspubliek kon bijwonen. De ineenstorting van de feodale orde met de Meiji Restauratie (1868) bedreigde het bestaan van Noh. Ook al probeerden gerenommeerde acteurs de tradities in stand te houden. Na de Tweede Wereldoorlog leidde de belangstelling van een breder publiek tot een renaissance van deze Japanse kunst.
2. JAPANS TONEELSTUK
Noh theater is opgebouwd rond zang en dans. De beweging is langzaam, de taal is poëtisch en lichamelijk, de toon is monotoon en de kostuums zijn complex en zwaar. De plots zijn meestal ontleend aan Japanse legenden, Japanse geschiedenis, literatuur en hedendaagse gebeurtenissen. Thema’s zijn vaak gerelateerd aan dromen, de werelden van Yokai (Japanse demonen), Kami (Japanse goden), Japanse geesten en spoken.
Type onderdelen Noh
Er zijn vijf soorten Noh-spelen.
- Het eerste type, het kami (“god”) spel, betreft een heilig verhaal uit een Shintō heiligdom;
- De tweede, shura mono (“vechtspel”), richt zich op krijgers;
- De derde, katsura mono (“pruikenspel”), heeft een vrouwelijke hoofdpersoon;
- Het vierde type, met gevarieerde inhoud, omvat gendai mono (“hedendaags spel”), waarin het verhaal eerder hedendaags en “realistisch” is dan legendarisch en bovennatuurlijk, en kyōjo mono (“spel van de gekke vrouw”), waarin de hoofdpersoon gek wordt na het verlies van een geliefde of kind;
- Het vijfde type, kiri of kichiku (‘finale’ of ‘demon’), bestaat uit duivels, vreemde beesten en bovennatuurlijke wezens.
Deze theatervorm is relatief kort. De dialoog is spaarzaam en dient als een eenvoudig kader voor beweging en muziek. Een standaard Noh-programma bestaat uit drie stukken gekozen uit de vijf typen om zowel artistieke eenheid als de gewenste stemming te bereiken. Het laatste stuk van de vijfde soort is altijd het slotstuk dat de ontknoping van het verhaal aankondigt.
Rollen van het Japanse Geen Theater
Een van de oude regels van het Noh-theater was dat alle acts met vrouwelijke personages door mannen worden gespeeld (en dat geldt ook voor alle andere personages):
Shite: de hoofdpersoon. Afhankelijk van het stuk kan de shite optreden als een oude heilige man, een godheid, een demon, een geest of een levende man. Zijn bewegingen drukken verschillende stemmingen uit. Een van de populairste rollen is die van hannya. De Hannya demon is een wraakzuchtige yokai. Oorspronkelijk is deze Japanse geest een vrouw die in een vlaag van jaloezie haar geliefde vermoordde. Logisch gezien zouden deze vrouwelijke rollen door vrouwen gespeeld moeten worden. Maar dat is niet het geval.
Hayashi: de muzikanten. Vier muzikanten begeleiden de voorstelling met een fluit (fue), een schoudertrommel (kotsuzumi), een heupdrum (otsuzumi) en een stokkentrommel (taiko).
Jiutai: het koor. Het koor zit links van het podium en assisteert de chite bij het vertellen van het verhaal. Deze groep bestaat uit 8 tot 10 zangers.
Koken: de toneelassistenten. De in het zwart geklede toneelknechten maken geen deel uit van het stuk, maar helpen de spelers op verschillende manieren, bijvoorbeeld door rekwisieten uit te delen.
Tsure, kokata, tomo: de bijrollen omvatten die van een begeleider (tsure), een “jongen” (kokata) en een niet-sprekende “wandelaar” (tomo).
Elk deel van de geschreven theatertekst wordt in een bepaalde vorm voorgedragen. Hetzelfde geldt voor de dans. Elk type dialoog en lied heeft zijn eigen naam: de sashi lijkt op een vertelling; de uta zijn de eigenlijke liederen; de rongi, of debat, wordt gezongen tussen het koor en de shite; en de kiri is het refrein waarmee het stuk eindigt op zijn ontknoping.
Stadium
Noh wordt uitgevoerd op een vierkant podium, waarvan het dak op de vier hoeken wordt ondersteund door pilaren. Alle zijden van het podium zijn open, behalve de achterkant, die bestaat uit een muur met een geschilderde afbeelding van een dennenboom. Een brug steekt schuin uit het podium om de artiesten het podium te laten betreden. In het verleden werd de Noh meestal buiten opgevoerd, maar sinds kort zijn er ook moderne binnentheaters.
Japans masker
Een belangrijk element van Noh is het Japanse theatermasker dat wordt gedragen door de acteur die de rol van shite speelt. Het vertelt het publiek wat voor soort personage wordt geportretteerd. Dus de shite kan een oni masker, een hannya masker of zelfs een kitsune masker dragen. Als u een fan bent van de Japanse cultuur, nodigen wij u uit om een traditioneel Japans masker te kopen, geïnspireerd op het Edo-tijdperk, de shinobi-cultus en de samoerai bushido.
Het hele team te ontdekken Ze kunnen ook vrouwen en mannen van verschillende leeftijden vertegenwoordigen. De maskers zijn gesneden uit blokken Japanse cipres. Dankzij hun driedimensionale eigenschappen kunnen vaardige acteurs verschillende uitdrukkingen opwekken met veranderingen in de oriëntatie van het hoofd (dankzij de schaduwen die op het masker verschijnen afhankelijk van de hoek van het masker ten opzichte van het licht.
Noh Theater Kostuums
Deze Japanse kostuums bestaan uit meerdere lagen en texturen die een effect van schitterende elegantie creëren, maar ook een volumineus en massief silhouet geven. De expressiviteit wordt versterkt door accessoires, waaronder een opvouwbare Japanse ventilator. Gesloten, gedeeltelijk gesloten of open, kan de waaier elk voorwerp voorstellen dat door zijn vorm en hantering wordt gesuggereerd, bijvoorbeeld een dolk of een lantaarn. De dramatische theatervorm wordt hier naar zijn scenische paroxisme geduwd.
Kyogen
Kyogen is een dramatisch komediespel dat met regelmatige tussenpozen tussen de belangrijkste Noh-voorstellingen wordt opgevoerd.
De spectaculaire enscenering kan beginnen met een okina, in wezen een aanroeping tot vrede en voorspoed in de vorm van een dans.
Deze komische opera gebruikt satire om komische scènes uit te beelden. Geestige grappen worden vaak uitgevoerd met ritmisch taalgebruik en soms overdreven acties om het publiek aan het lachen te maken. De meeste kyogen toneelstukken duren ongeveer 15 tot 20 minuten en er zijn twee of drie acteurs bij betrokken. Kyogen bevat dus plots, meestal gebaseerd op verhalen uit het dagelijkse Japanse leven. Bijvoorbeeld, mannen die hun verlangen uiten om vrouwen te vinden of boeren die bidden om geluk. Het acteren heeft voorrang op het typische Noh theater verhaal.
3. WAAR KUN JE NOH THEATER ZIEN IN JAPAN?
Sommige overdekte theaters hebben ingebouwde Noh scènes. In Tokio is er het Nationale Noh Theater nabij Sendagaya Station, het Kanze Noh Theater in Ginza en het Cerulean Tower Noh Theater in Shibuya. In Osaka is er het Otsuki Noh Theater en in Nagoya is er het Nagoya Noh Theater naast Nagoya Castle. Of het buitenpodium in Miyajima (ook wel Itsuku shima genoemd)
Tegenwoordig duurt een typisch Noh-programma een paar uur en bestaat het uit twee of drie Noh-acts met korte kyogene stukken ertussen. Tickets variëren van ¥ 3.000 tot ¥ 12.500 (€ 25 tot € 100) en kunnen worden gekocht aan de kassa van het theater of online. Sommige plaatsen bieden korting op kaartjes voor een enkele akte van een Noh-voorstelling. Hierdoor kan het publiek deze Japanse kunstvorm ervaren. Merk op dat het kopen van tickets vaak kennis van de Japanse taal vereist.
Zoals reeds vermeld behoorden Shinto schrijnen, tempels en de adel tot de eerste klanten van het kleine Japanse theater. Zo bestaan er in sommige historische monumenten en beroemde tempels nog steeds prachtige Noh-podia in de open lucht. Zij organiseren deze occasionele tragische voorstellingen, maar kaartjes kunnen moeilijk te verkrijgen zijn. Itsukushima Shrine in Miyajima (waar het podium op pilaren in de zee staat), Chusonji Tempel in Hiraizumi, Fushimi Inari Shrine in Kyoto, en Yasukuni Shrine in Tokyo zijn enkele van de plaatsen waar dergelijke openluchtscènes te vinden zijn.
4. GEEN MODERN THEATER
Twee factoren hebben ervoor gezorgd dat het onderwijs in de Noh-kunst van generatie op generatie kon worden doorgegeven terwijl het vrij dicht bij vroegere vormen bleef.
Ten eerste is er de bewaring van geschriften over theatrale dialogen, met aanbevelingen voor voordrachten, dans, mime en muziek die typisch zijn voor het land van de rijzende zon.
En ten tweede de directe en vrij nauwkeurige overdracht van prestatievaardigheden. Anderzijds is Noh onderhevig geweest aan de veranderende en vernieuwende voorkeuren van een nieuw publiek en nieuwe stijlen.
Bovendien werden de theatervormen in Japan voortdurend verfijnd om de doelstellingen van Noh duidelijker of intenser uit te drukken. Maar dit zijn altijd maar kleine afwijkingen van de traditionele vorm. Zelfs de verschillen tussen de vijf scholen van shite-uitvoerders vertegenwoordigen slechts kleine variaties in de melodische lijn van de voordracht of in de mime- en danspatronen van de furi of mai.
In de twintigste eeuw werd er wat geëxperimenteerd met podia. Toki Zenmaro en Kita Minoru produceerden Noh-spelen met een nieuwe inhoud maar met respect voor de Japanse productietradities.
De regisseur Mishima Yukio, daarentegen, nam oude dramatische stukken en voegde er nieuwe wendingen aan toe, terwijl hij de oude thema’s behield.
Experimenten om de humoristische intermezzo’s van kyōgen te mengen door (op de wijze van het Kabuki-theater) een lange passage op het toneel door het publiek toe te voegen, werden niet goed ontvangen.
In feite werd het drama van het Noh-theater in de naoorlogse periode gesteund door theaterliefhebbers die het niet alleen gingen waarderen om zijn status als “klassiek theater”, maar ook als een verfijnde en verfijnde hedendaagse toneelkunst.