Japanse kunstenaars staan al eeuwenlang bekend om hun creativiteit en innovatie op verschillende artistieke gebieden. En sommige van hen zijn helemaal gek in hun creaties; zelfs gek (letterlijk).
JAPANSE KUNST
Gedurende zijn hele geschiedenis heeft Japan de invloeden van de “gaijin” op zijn eigen cultuur kunnen weerstaan in vergelijking met andere landen zoals China of sommige zwarte Afrikaanse landen.
In feite is de Japanse kunst ongelooflijk divers geweest over een aanzienlijke periode die teruggaat tot ongeveer het 10e millennium voor Christus.
Hierdoor heeft het een sterke culturele authenticiteit kunnen behouden terwijl het vele unieke artistieke stromingen heeft ontwikkeld. Hoewel de Chinese en Japanse culturen op verschillende momenten punten van overeenkomst hadden, is Japan erin geslaagd het Europese continent sterk te inspireren door werken als de Grote Golf van Kanagawa van de kunstenaar Hokusai! U vindt op onze website uw toekomstige kakemono of triptiek geïnspireerd door de Grote Golf van Kanagawa van Hokusai. We hebben veel reproducties van schilderijen voor unieke afdrukken.
Van Franse, Britse, Spaanse en Italiaanse kunstenaars is bekend dat zij zich hebben laten inspireren door werken die volledig contrasteren met wat er van de 17e tot de 19e eeuw in Europa te zien was.
Zo bestudeerden westerse kunstenaars (waarvan sommigen beroemd waren) als Vincent Van Gogh en Claude Monet in de loop van hun eigen carrière uitvoerig Japanse werken, experimenteerden ermee en lieten zich erdoor inspireren. Sommige van hun bekendste werken vertonen een duidelijke invloed van de Japanse kunst. Claude Monet gaf zelfs opdracht tot de complete bouw van een Japanse brug in zijn eigen tuin, omdat hij zo’n fan was geworden van het land en zijn artistieke cultuur.
De moderne technologie heeft het gemakkelijker gemaakt om traditionele schilderijen zoals die van Hiroshige of Hokusai te ontdekken. Dit is wat wij de democratisering van de kunst noemen en het voelt goed, hoewel ik natuurlijk iedereen aanraad deze werken met eigen ogen te zien.
Japan blijft innoveren met nieuwe artistieke stromingen, bijvoorbeeld met Manga.
Er zijn andere minder gebruikelijke artistieke bewegingen en praktijken in Japan. Deze omvatten
- Oud aardewerk,
- Houten beeldhouwwerk,
- Bronzen beeldhouwwerk,
- Inktschilderij
- Kalligrafie op zijde en papier,
- Ukiyo-e schilderijen
- Houtsneden
- Kiri-e
- Kirigami
- En origami.
In dit artikel zien we de top 3 van gekke Japanse artiesten en hun geschiedenis!
MURAKAMI
Takashi Murakami, (geboren op 1 februari 1962 in Tokio, Japan), is een uitzinnige Japanse kunstenaar en ondernemer die alom wordt erkend voor zijn vermogen om de esthetiek van de traditionele Japanse kunst te vermengen met een hedendaagse westerse stijl.
Bij de Fransen is hij vooral bekend door zijn controversiële tentoonstelling in 2010 in het Château de Versailles… Deze tentoonstelling werd gekenmerkt als : “artistieke waanzin”.
Murakami studeerde Japanse schilderkunst aan de Nationale Universiteit voor Schone Kunsten en Muziek in Tokio, waar hij in 1986 een Bachelor of Fine Arts en in 1993 een PhD behaalde. Na zijn studie werd hij steeds vaker tentoongesteld in individuele en groepsgaleries. Hij maakte zijn Europese debuut in 1995 in “TransCulture”, dat plaatsvond op de 46e Biënnale van Venetië. Het jaar daarop waren Murakami’s schilderijen en sculpturen te zien op de tweede Asia-Pacific Triennial of Contemporary Art in de Queensland Art Gallery in Brisbane.
Opgeleid in traditionele Japanse kunst, zag Murakami overeenkomsten tussen de vlakke compositie van de Japanse schilderkunst en de vereenvoudigde esthetiek van anime (Japanse animatie) en manga (Japanse strips). Zijn stijl, die de nadruk legde op tweedimensionale vormen en gedurfde, opvallende beelden, leidde tot een kunststroming die bekend staat als Superflat.
Deze laatste erkent en viert de interactie tussen de commerciële wereld en de kunstwereld. In 2002 werd hij tentoongesteld in de Fondation Cartier in Parijs voor de kwaliteit van zijn hedendaagse kunst. In 2003 werkte Murakami samen met Marc Jacobs, artistiek directeur van het modehuis Louis Vuitton, om modeaccessoires te produceren. Hij verwierf in mei 2003 de status van beroemdheid met de creatie van zijn Miss Ko2 (uitgesproken als “ko ko”). Het is een levensgrote glasvezel sculptuur. Het is een rondborstige blonde serveerster in een klein uniform. Haar werk werd op een veiling in New York verkocht voor $ 567.500. De prijs is een record voor een werk van een hedendaagse Japanse kunstenaar.
In 2005 werd Murakami de “Japanse Andy Warhol” genoemd. Hij bereikte het hoogtepunt van zijn succes als kunstenaar, productontwerper, theoreticus en ondernemer. In de Japan Society Gallery in New York werd hij benoemd tot curator van de tentoonstelling “Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture”. Hij besloot het werk van jonge Japanse kunstenaars te belichten. De tentoonstelling richt zich op de otaku (“geek”) beweging. Het belicht de anime- en manga-industrie die nu centraal staan in de Japanse populaire cultuur.
Ook in 2005 exposeerde Murakami zijn monumentale sculptuur Tongari-Kun-Mr. Pointy & the Four Guards in de trendy wijk Roppongi Hills in Tokio. Dit kleurrijke en minutieus vervaardigde werk, gemodelleerd naar een Boeddhabeeld, was de vierde editie van een stuk dat in 2003 vele toeschouwers voor het Rockefeller Center in New York in vervoering had gebracht.
Wat gezegd kan worden over Murakami is dat hij zich opstelt als een echte mecenas om de Japanse kunst en kunstenaars te promoten. In 2001 richtte hij een kunstproductiebedrijf op, Kaikai Kiki Co. Ltd, met kantoren in Japan en Brooklyn, N.Y. Via dit bedrijf helpt Murakami veel jonge kunstenaars om internationaal bekend te worden. Hij organiseert tentoonstellingen voor hen. Hij produceert en verkoopt koopwaar. Hij organiseert ook een tweejaarlijks kunstfestival en conventie in Tokyo. Dit belet hem natuurlijk niet om zijn eigen kunstwerken te blijven tentoonstellen, zoals in zijn tentoonstelling van 2015 in het Mori Art Museum in Tokio!
In 2007 werd in het Museum of Contemporary Art in Los Angeles de tentoonstelling ©MURAKAMI aan zijn werk gewijd. Deze tentoonstelling was vervolgens te zien in verschillende andere grote musea, waaronder het Guggenheim Museum in Bilbao, Spanje, in 2009. Deze retrospectieve tentoonstelling van Murakami’s artistieke activiteit omvatte niet alleen schilderijen, sculpturen, films en installaties, maar ook Kaikai Kiki merchandise en Louis Vuitton modeproducten.
KUSAMA
Yayoi Kusama, (geboren 22 maart 1929 in Matsumoto, Japan), beschreef zichzelf als een “obsessieve kunstenaar”. Persoonlijk vinden we haar een beetje gek, maar in het volgende artikel lees je waarom! Zij staat in de kunstwereld bekend om haar gebruik en onvoorwaardelijke liefde voor erwtenpatronen. Ze heeft vele vormen van kunst gebruikt, waaronder:
- Schilderen,
- Sculptuur,
- Performance kunst
- Het gebruik van ruimte in verschillende stijlen zoals Pop-art en Minimalisme.
Kusama begon als kind met schilderen. Ze bekende dat ze van jongs af aan hallucinaties had die vaak betrekking hadden op stippenvelden. Deze hallucinaties en het thema stippen zouden haar kunst gedurende haar hele carrière blijven beïnvloeden. Ze had weinig formele training. Ze studeerde kort kunst tussen 1948-1949 aan de Kyōto City Specialized Art School. Familieconflicten en de wens om kunstenares te worden brachten haar in 1957 naar de Verenigde Staten, waar ze zich vestigde in New York. Voordat ze Japan verliet, vernietigde ze veel van haar vroege schilderijen.
Onder haar vroege werken in New York waren wat zij noemde “oneindige” schilderijen. Deze bestonden uit duizenden kleine tekens die obsessief werden herhaald op grote doeken zonder rekening te houden met de randen van het doek, alsof ze eeuwig doorgingen. Deze werken verkenden de fysieke en psychologische grenzen van de schilderkunst. De schijnbaar eindeloze herhaling creëerde een bijna hypnotiserende sensatie voor de kijker en de kunstenaar. Zijn schilderijen uit deze periode lopen vooruit op de opkomende minimalistische beweging. Haar werk verschoof daarna snel naar Pop-art en performance kunst. Ze is een iconische New Yorkse kunstfiguur geworden. Haar werk is tentoongesteld naast dat van kunstenaars als Donald Judd, Claes Oldenburg en Andy Warhol.
Obsessieve herhaling blijft een terugkerend thema in haar beeldhouwwerk. Ze begon te exposeren in het begin van de jaren zestig.
Ze werkte uitgebreid aan het thema seksuele angst. Kusama bedekt een groot deel van deze werken met objecten, zoals haar stoel in Accumulation No. 1 (1962). Het bestaat uit kleine fallische sculpturen van witte stof. Een van de creaties uit die tijd was Infinity Mirror Room-Phalli’s Field (1965), een spiegelkamer waarvan de vloer was bedekt met honderden opgezette phalli die met rode stippen waren beschilderd. Spiegels gaven haar de mogelijkheid om oneindige vlakken in haar installaties te creëren, en ze zou ze in latere werken blijven gebruiken.
Net als haar tijd, verkende Kusama’s voorstelling anti-oorlog, anti-establishment en free-love ideeën. Deze werken gingen vaak gepaard met openbare naaktheid, met de verklaarde bedoeling de grenzen van identiteit, seksualiteit en het lichaam te ontmantelen.
In Grand Orgy to Awaken the Dead (1969) schilderde Kusama stippen op de naakte lichamen van deelnemers aan een ongeoorloofde performance in de fontein van de beeldentuin van het Museum of Modern Art in New York. Critici beschuldigden haar van intense zelfpromotie, en haar werk kwam regelmatig in de pers. “Grand Orgy” haalde de voorpagina van de New York Daily News.
Kusama keerde terug naar Japan in 1973. Vanaf 1977 besloot ze zich te laten opnemen in een psychiatrisch ziekenhuis. Ze bleef in deze periode kunst maken en schreef ook poëzie en surrealistische fictie, waaronder The Hustlers Grotto of Christopher Street (1984) en Between Heaven and Earth (1988).
In 1989 keerde Kusama terug in de internationale kunstwereld met tentoonstellingen in New York en Oxford, Engeland. In 1993 vertegenwoordigde zij Japan op de Biënnale van Venetië met een werk waaronder Mirror Room (Pumpkin), een installatie waarin zij een spiegelzaal vulde met sculpturen van pompoenen bedekt met haar karakteristieke stippen. Tussen 1998 en 1999 was een groot retrospectief van haar werk te zien in het Los Angeles County Museum of Art, het Museum of Modern Art in New York, het Walker Art Center in Minneapolis, Minnesota, en het Museum of Contemporary Art in Tokyo.
In 2006 ontving ze de Japan Art Association Award for Painting. Haar werk was het onderwerp van een grote overzichtstentoonstelling in het Whitney Museum of American Art in New York in 2012, en een reizende tentoonstelling trok een recordaantal bezoekers naar het Hirshhorn Museum and Sculpture Garden in Washington, D.C., in 2017. Dat jaar opende ze een museum gewijd aan haar werk in Tokio, vlakbij haar atelier en het psychiatrisch ziekenhuis waar ze woont.
SHOHEI OTOMO
Shohei Otomo, zoon van de legendarische Katsuhiro Otomo, Japans auteur, illustrator en schepper van de cultklassieker AKIRA, is uit hetzelfde hout gesneden als zijn vader. Hij is een van de populairste hedendaagse Japanse kunstenaars. Voor elk van zijn werken dompelt hij zich onder in een uiterst intens creatief proces.
Als een echte Van Gogh of Rodin van de moderne tijd mengt hij perfect de gevoeligheid van de Japanse cultuur met moderne en hedendaagse kunst. Hij biedt een dystopische visie op het leven in het land van de rijzende zon en de louche onderbuik die vaak voor de buitenwereld verborgen blijft.
Shohei Otomo’s inzichtelijke beelden van Japan, die voornamelijk in biografieën werken, leggen de ambivalentie bloot van het Land van de Rijzende Zon, verscheurd tussen zijn commerciële façade en zijn diepe ondergrondse cultuur. Shohei’s kunstwerken worden geleverd met een onmiskenbaar niveau van bijtende politieke analyse en technische perfectie en bevinden zich op het snijvlak van kunst, illustratie, anime en cyber-punk.
Shohei denkt na over de seismische veranderingen in Japan tijdens het Heisei-tijdperk en probeert zichzelf te projecteren in de toekomst. Shohei is een geniale Japanse illustrator die een talent heeft voor het deconstrueren van de Japanse cultuur en het construeren van een verfijnde sociale kritiek uit zijn kunstwerken. Hij is een subtiele symbolist wiens werk vol verborgen betekenissen zit.
De kunstenaar presenteerde een sculptuur van een sumoworstelaar bij de opening van zijn tentoonstelling “REIWA” in SHDW.gallery in Hong Kong. De sculptuur, getiteld There Is Nothing You Can Do To Hurt Me. Het beeld is gemaakt van witte hars, met de hand gepolijst.
Het is een symbool van verzet: een imposante sumoworstelaar met uitgestrekte armen om zijn kracht, vertrouwen en vastberadenheid te tonen.
Met een indrukwekkende weergave van technische precisie, scherpe politieke kritiek en innovatieve stijl glijdt Otomo moeiteloos tussen de grenzen van grafisch ontwerp, beeldende kunst, anime en rauwe punkkracht.
De directeur van de in Melbourne gevestigde kunstgalerie Backwoods (Alexander Mitchell) heeft onder andere over Otomo’s werk gezegd:
De Japanse cultuur is verwikkeld in een constante strijd tegen twee tegenstanders: de jeugd en het Westen. Als een kolossale sumoworstelaar met veel worstelervaring gebruikt hij het gewicht van zijn tegenstanders als wapen. Op deze manier handhaaft Japan een soort tastbaar evenwicht. Het assimileert andere culturen en duwt ze soms opzij, terwijl het zijn eigen cultuur in een duidelijk evenwicht houdt.
De tentoonstelling die deze sumo presenteert heet ORA ORA! Deze Japanse uitdrukking heeft geen directe Franse vertaling. Het is een dreig- of vechtkreet, vaak gebruikt door Japanse misdadigers. Recentelijk is de uitdrukking ook gebruikt in manga als een onomatopee voor de inspanning van het herhaaldelijk slaan of schoppen van iemand, met een ironische ondertoon. Zoals alles wat Shohei doet, heeft zijn titelkeuze een gelaagde betekenis die elegant aansluit bij het centrale thema van de tentoonstelling.
De invloed van het Westen op de Japanse cultuur lijkt de Japanse gewoonten en voorschriften niet te hebben uitgewist. Op kleinere schaal echter vertaalt deze westerse invloed zich voor de Japanners vaak in een tegenstrijdig gevoel van culturele identiteit. Verschillende esthetieken en tegenstrijdige filosofieën bezetten het Japanse bewustzijn. Theeceremonies en automaten, boeddhisme en consumentisme, Zen eenvoud en een wirwar van logo’s. Ze strijden allemaal om aandacht in de Japanse psyche.
Een van Otomo Shohei’s sleutelwerken toont drie schooljongens die gewapend met knuppels een werknemer tegen de grond slaan. De jongens grissen zijn smartphone uit zijn handen en maken zich klaar om hem in elkaar te slaan. De jongen in het midden van de foto, die een Superman-shirt draagt, bijt op zijn onderlip terwijl hij zich klaarmaakt om de man met zijn pistool op zijn hoofd te slaan. De polsen en tassen van de drie jongens zijn versierd met autosleutels en horloges. Status symbolen van consumeristisch Japan. Voor hen zijn het trofeeën, vermoedelijk gestolen van andere aanvallen. Dit is traditionalisme dat heftig reageert op de oppervlakkigheid van de moderniteit. De woorden “New Era” op de jongenspet krijgen een nieuwe betekenis als ze in kanji worden geschreven en worden ondersteund door de nationalistische stickers die de knuppel op de voorgrond versieren.
Shohei’s illustraties tonen de negatieve aspecten van moderniteit en vooruitgang. Zijn belangrijkste boodschap is duidelijk, een eenvoudige kritiek op het consumentisme. Maar als we dieper kijken, zit er meer achter deze illustratie. Met een vergrijzende bevolking heeft Japan het gezin de rug toegekeerd ten gunste van het materialisme. De jongeren worden in dit geval paradoxaal genoeg voorgesteld als de beschermers van de oude culturele tradities.
Door de jeugd voor te stellen als de hoeders van de traditie, suggereert Shohei dat er een optimale sociale structuur bestaat die gedeeltelijk is ingebed in traditionele waarden. In de context van de culturele dynamiek tussen Japan en het Westen staat het Superman T-shirt bovendien voor geïmporteerde populaire cultuur, terwijl het zinspeelt op de westerse filosofische verwerping van het nihilistische materialisme. In beide betekenissen is het een buitenlands concept dat opnieuw is gebruikt om het behoud van de Japanse cultuur te ondersteunen.
Techniek alleen is oppervlakkig en definieert een groot kunstenaar niet. Wat Shohei Otomo tot een groot kunstenaar maakt, is zijn geraffineerde en elegante gebruik van symboliek. Alles in Shohei’s werk heeft een gelaagde en dynamische betekenis die een kritische analyse van de moderne Japanse samenleving illustreert. Sommige van deze werken zijn totaal gek en vergezocht en dat maakt hem een gekke en unieke kunstenaar…
JAPANSE WERKEN
Deze twee kunstenaars worden niet beschouwd als moderne en gekke kunstenaars, maar we konden geen artikel over Japanse kunstenaars schrijven zonder het te hebben over de meest emblematische Japanse werken sinds eeuwen!
De grote golf van Kanagawa
Dit is een prachtige Japanse prent van Hokusai. Ik gaf een voorbeeld aan het begin van dit artikel. Het is het meest populaire kunstwerk uit het Land van de Rijzende Zon voor het Europese en Amerikaanse publiek. Velen beschouwen de Japanse kunst als een van de beste ter wereld.
De Kraanvogeldans door Morita
De dans van de kraanvogels is een klassiek schilderij van Morita waarop een traditioneel geklede vrouw staat afgebeeld die danst tussen de kraanvogels (ook wel Tsuru genoemd). De prachtige kleur en het detail van haar jurk maken het tot een populair schilderij en misschien wel het op één na populairste schilderij na De grote golf van Kanagawa. Het is vooral populair bij westerse kunstliefhebbers. Deze prent bracht Morita’s carrière in de schijnwerpers.