Japanse kunst en schilderijen behoren tot ’s werelds grootste schatten. Maar vreemd genoeg is het erg moeilijk om actuele informatie op internet te vinden.
Deze ultieme gids toont de evolutie van de Japanse kunst: van de vroegste zeefdruk, via de prachtige houtsneden van de 18e eeuw, tot de beroemdste moderne Japanse kunstenaar Takashi Murakami.
De Japanse hedendaagse kunstscene is vol innovatie en creativiteit.
Dus laten we het eens bekijken in dit artikel:
- De oorsprong van de Japanse kunst
- De kunst van de samoerai
- Ukiyo-e prenten
- Japanse kunst uit het Meiji tijdperk
- Moderne Japanse kunst
- Laten we de geschiedenis van de traditionele Japanse kunst ontdekken…
1. Japanse kunst: oorsprong
De natuur, en meer in het bijzonder bergen, zijn een geliefd onderwerp in de Japanse cultuur. Vóór de introductie van het boeddhisme uit China heette de meest verbreide Japanse godsdienst Shinto. Beoefenaars van Shinto hadden een diep respect voor de kami, of godheden. Zij geloofden dat deze in de bossen leefden, in bomen, rivieren, rotsen en bergen.
In Japan is de natuur dus geen seculier onderwerp. Het beeld van een natuurlijk tafereel is niet zomaar een landschap, maar eerder een portret van de heilige wereld en de kami die er wonen. Het belang van de natuur in de hele geschiedenis van de Japanse kunst gaat door tot op de dag van vandaag.
Dit nauwgezette schilderij uit het Heian tijdperk (794-1185) is de oudst bekende Japanse zeefdruk. Een kunstvorm die zelf werd ontwikkeld door Chinese voorgangers (en die nog steeds voortduurt). De stijl is typisch Chinees, maar het landschap zelf is Japans. Er wordt gezegd dat deze Japanse kunstenaar er misschien zelfs nooit is geweest.
Het ontstaan van een Japanse kunststijl die bekend staat als yamato-e (wat letterlijk Japanse afbeeldingen betekent), begon met de geleidelijke vervanging van Chinese kalligrafische motieven en symbolen door meer gebruikelijke binnenlandse varianten. Japanse langstaartvogels (zoals de kraanvogel) vervingen vaak de alomtegenwoordige Chinese feniks.
Terwijl lokale bomen en bloemen onbekende vreemde soorten vervingen. Een dier dat vaak voorkomt in Japanse kunst is de kitsune, of vos. Het speelt een belangrijke rol in de folklore en de Japanners dragen het kitsune vossenmasker graag tijdens festivals bijvoorbeeld.
Onze collectie kitsune maskers zal je het gevoel geven dat je alle krachten van de mythische Oni in je hebt.
Toen de directe banden met China verdwenen tijdens de Heian periode. De Japanse cultuur en yamato-e stijl werden nog meer onderscheiden van het land van de rijzende zon.
Zen (een filosofische visie en vorm van meditatie uit China) begon wortel te schieten in diverse Japanse kunstvormen. Zenmonniken waren bijzonder geïnteresseerd in de inktschilderkunst, sumi-e, die de eenvoud en het belang van de lege ruimte in het centrum van kunst en religie weerspiegelt. Een van de grootste meesters van de vorm is Sesshu Toyo (1420-1506). Hier schildert hij een luchtfoto van het spectaculaire kustlandschap van Japan. Sumi-e blijft een van de populairste Japanse kunstvormen.
Misschien is niets zo spectaculair als de grote berg Fuji. De perfecte kegelvorm van de slapende vulkaan en de zeer reële dreiging van zijn dodelijke woede. Ze vormen samen een ontzagwekkend geheel dat al eeuwenlang wordt vereerd en geschilderd.
De Grote Golf van Kanagawa van Katsushika Hokusai (1760-1849) is ongetwijfeld een van de beroemdste werken van Japan. Het is geen toeval dat dit Japanse houten schilderij zo populair is. Het thema is de ontzagwekkende kracht van de natuur.
2. De kunst van de Samoerai
Wij associëren Japan met de dappere samoerai krijgers. Maar veel mensen weten niet dat deze bekwame vechters ook in alle andere kunstvormen (niet alleen het vechten) werden getraind.
De samoerai (ook bekend als bushi) waren de krijgersklasse van het premoderne Japan – hun hoogtijdagen waren de Edo-periode (1603-1867). De samoerai leefden hun hele leven volgens een zorgvuldig opgestelde ethische code die bekend staat als bushido (de weg van de krijger).
Als de hoogste kaste in de sociale hiërarchie moesten samoerai beschaafd en geletterd zijn, en tevens getraind worden om betere strijders te worden… Zij dienden de rijke adel, die artistieke activiteiten zeer waardeerde.
Sommige van de vrouwen zouden heel goed tot de samurai klasse kunnen behoren. Zij dienden voornamelijk als echtgenoten van de krijgers. Maar ze konden ook trainen en vechten als krijgers. Deze vrouwelijke strijders werden onna-bugeisha genoemd. Japanse vrouwelijke krijgers namen over het algemeen alleen de wapens op als dat nodig was, bijvoorbeeld om hun huizen te verdedigen in tijden van oorlog.
Een van die krijgers was Tomoe Gozen (ca. 1157-1247), een onna-bugeisha die is vereeuwigd in “Het verhaal van de Heike”. Volgens het epos was ze mooi en krachtig en bezat ze de kracht van vele mannen. Hoewel haar bestaan wordt geassocieerd met een legende, werden krijgers geïnspireerd door haar moed. Haar verhaal is het onderwerp geweest van talloze Kabuki toneelstukken en ukiyo-e schilderijen.
De kunst van de samoerai omvat direct het ontwerpen en maken van harnassen en wapens. Samoerai zwaarden, het belangrijkste gereedschap en symbool van de bushi, staan nog steeds bekend om hun vakmanschap.
Katana’s waren sterk maar flexibel, met gebogen stalen lemmeten met een enkele scherpe rand.
Samoerai maskers waren even indrukwekkend en complex. Ze werden met de hand gemaakt door deskundigen en van specifieke materialen zoals lak. Gebruikt voor bescherming tegen het weer en leer (en eventueel zijden kant) voor comfort. Bij Shogun Japan hebben we het samoerai masker weer tot leven gebracht.
3. Edo-tijdperk: Ukiyo-e prenten
De Edo-periode (1615-1868) was een lange periode van stabiliteit. De Edo maatschappij bloeide en de steden aan de rand ontwikkelden zich op ongekende schaal. Sociale klassen werden gedefinieerd bij de geboorte. Aan de top stonden de samoerai die de Tokugawa-regering dienden, daarna de boeren en ambachtslieden, en onderaan de kooplieden.
Economisch gezien waren het echter de handelaren die het meest profiteerden van hun rol als distributeurs en dienstverleners. Samen met de ambachtslieden stonden zij bekend als chonin (stedelingen).
Met deze nieuwe welvaart bloeiden de goederen uit Japan en vooral Tokio. In het bijzonder houtsneden, ukiyo-e.
Ukiyo-e betekent letterlijk afbeeldingen van de zwevende wereld.
Het was ook in deze tijd dat de druktechnieken een echte technologische sprong voorwaarts maakten. De productie van houtsneden werd uitgevoerd door wat toen een ukiyo-e kwartet werd genoemd. Hiertoe behoorden de uitgever, die het bedrijf leidde, de bloksnijder, de drukker en de kunstenaar. In de jaren 1740 werden al ukiyo-e kunstdrukken in felle kleuren gemaakt. Een ander belangrijk kenmerk van deze prenten is het materiaal dat ze gebruiken, met name Japans washi-papier.
Een van de belangrijkste doelen van de ukiyo-e prenten was het weergeven van de elegante levensstijl van de Edo-stadbewoners. Kooplieden werden beperkt door de wet en sociale status. Daarom brachten degenen die het zich konden veroorloven hun tijd door met het najagen van plezier en luxe, zoals het geval was in het plezierdistrict Yoshiwara. Het inspireerde vele erotische prenten
Yoshiwara was meer dan een bordeel, het was een cultureel centrum voor de rijke en modieuze mannen van de Edo-periode. Deze scène toont duidelijk de fascinatie voor deze plek. Zowel voor degenen die aanwezig zijn als voor degenen die gedwongen zijn van buitenaf toe te kijken.
De courtisanes van Yoshiwara werden prachtig afgebeeld in ukiyo-e. Hun weelderige kimono, traditionele Japanse kapsels en make-up waren zorgvuldig in scène gezet.
Dankzij deze relatief goedkope en wijdverspreide prenten werden ze beschouwd als lokale sterren.
We kunnen niet anders dan u onze collectie Japanse schilderijen laten zien, geïnspireerd op de ukiyo-e kunst. U kunt uw flat of huis inrichten in een typisch Japanse stijl die doet denken aan het feodale tijdperk.
Deze fascinerende courtisane prenten werden bijinga genoemd, wat schilderijen van mooie vrouwen betekent. Misschien wel de beroemdste ukiyo-e kunstenaar van dit genre is Kitagawa Utamaro.
Kabuki-theater was een ander populair onderwerp van ukiyo-e in de vorm van yakusha-e (acteursprenten). Afbeeldingen van acteurs die het gezelschap leidden werden vaak gereproduceerd, en Japanse schilderijen belichtten theatrale scènes in verbazingwekkend detail. Voor meer informatie over Japans theater, zie ons artikel over deze traditionele Japanse kunstvorm.
4. Traditionele Japanse kunst: de pracht en praal van de Meiji periode
Het Meiji- en Taisho-tijdperk (1868-1926) was een keerpunt in de Japanse geschiedenis.
Onder het leiderschap van keizer Meiji was de natie in een constante staat van evolutie.
In de kunsten waren er belangrijke technologische en stilistische ontwikkelingen, mede dankzij de inzet van de keizer voor de ontwikkeling van nationale en internationale tentoonstellingen.
Het was in de textielindustrie dat de Japanse productiemethoden begonnen te moderniseren. In de jaren 1860 stuurde de Kyoto Nishjin – het eerste centrum van de kimono-industrie – afgevaardigden naar Europa. Het doel was om te leren over het Jacquard weefgetouw.
Het textiel dat in het Nishijin district van Kyoto wordt geweven staat bekend als Nishijin-ori, of Nishijin textiel. De werken van Nishijin-ori worden gekenmerkt door levendig geverfde zijde, verweven met weelderige gouden en zilveren draden om ingewikkelde artistieke ontwerpen te creëren. Nishijin-ori beperkt zich niet tot het maken van kimono’s en obi’s (kimono-sjaals). Andere producten zijn feestelijke praalwagenversieringen en uitgebreide No-kostuums en maskers.
Het zijdeweven werd in Kyoto geïntroduceerd door de familie Yasusushi, die in de 5e of 6e eeuw vanuit China naar Japan emigreerde en de kunst aan de plaatselijke bevolking leerde.
De weelde van het hoofse leven vereiste flamboyante kleding van hoge kwaliteit. Daarom werd een speciaal bureau opgericht en belast met de vervaardiging van textiel voor het hof. Tegen het einde van de Heian-periode (794-1185), de tijd waarin het keizerlijk hof op zijn hoogtepunt was, liep de productie van door het hof goedgekeurde stoffen echter onvermijdelijk terug.
Nishijin-ori slaagde erin door te gaan als particuliere industrie en floreerde uiteindelijk op eigen kracht. De vredige en welvarende Edo-periode was de gouden eeuw van de Nishijin-textiel, maar na de Meiji-restauratie van 1868 verloren de Nishijin-ori-fabrikanten de steun van de Japanse feodale heren als gevolg van de overheidshervorming. Zonder shogun en samoerai om hen te steunen, stonden ze op de rand van uitsterven.
Tegenwoordig is er een nieuwe vorm van Japanse kleding ontstaan. Dit is Japanse streetwear mode. De Japanse invloed is bewezen. Streetwear, een echt hedendaags modeverschijnsel, mengt Japanse kimono’s, yukata’s, geta’s, zori’s en t-shirts met gewone en minimalistische Europese kleding.
5. De kunst van de Japanse architectuur
De Japanse architectuur staat bekend om haar extreme tegenstellingen en contradicties, of het nu gaat om de uitgestrektheid van het keizerlijk paleis in Tokio of de intimiteit van het traditionele theehuis. De woonarchitectuur uit de Edo-periode, waarvan vandaag de dag nog vele voorbeelden over zijn, wordt misschien wel het meest erkend als typisch Japans.
Japan staat bekend om enkele van de oudste houten gebouwen ter wereld. Het gebruik van hout als basismateriaal in Japanse woningen is wijdverbreid.
Deze benadering heeft zowel een spirituele als een praktische toepassing. Vanwege de frequente natuurrampen in Japan, zoals aardbevingen en tyfoons, hebben bouwers getracht hout te gebruiken omdat het bestand is tegen duwen en trekken. In tegenstelling tot westerse huizen worden Japanse houten constructies nooit overgeschilderd, zodat de nerf zichtbaar blijft als een manier om respect te tonen voor de natuurlijke waarde ervan.
Een element van het traditionele Japanse huis dat vandaag de dag nog steeds populair is, is de unieke vloerbedekking van de t . Historisch gezien konden rijkere families zich strak geweven tatamimatten van biezen veroorloven, terwijl armere families strooimatten gebruikten.
Zoals alle bezoekers aan Japan weten, moet u uw schoenen uittrekken voordat u op een Japanse tatami-mat loopt, of zelfs in een Japans huis, ongeacht de vloerbedekking! Tatamimatten zijn ideaal voor het vochtige klimaat van Japan, omdat ze water uit de lucht kunnen opnemen dat bij droog weer efficiënt verdampt.
Het delicate houten of bamboe frame van shoji, die schermen of kamerschermen zijn, is zowel functioneel als artistiek. De elegantie van dit traditionele Japanse woonelement ligt in het licht dat door het doorschijnende papier (washi) valt, waardoor sfeervolle schaduwen in een huis ontstaan.
Sommige shoji zijn beschilderd, terwijl andere hun traditionele witte gevel behouden. U kunt meer lezen over shoji-schermen en het uitgebreide kumiko houtwerk waarmee ze worden gemaakt.
Aan de buitenkant van een Japans huis uit de Edo-periode is meestal te zien dat het van de grond is opgetild om regenschade te voorkomen.
Ook werden Japanse houten constructies in plaats van met spijkers gebouwd met een systeem van ondersteunende blokken, tokyo genaamd, waarbij de stukken op natuurlijke wijze in elkaar passen.
De buitenkant van een traditioneel Japans huis is omgeven door een veranda, engawa genaamd. Hoewel het deel uitmaakt van het huis, is de engawa een brug die binnen en buiten met elkaar verbindt.
De relatie tussen shoji en engawa is poëtisch en speels, waarbij shoji en fusama de rol vervullen van het openen en sluiten van het huis voor het licht, de schaduwen en de lucht van buiten. Zoals in de Hamarikyu tuinen in Tokyo speelt de engawa van het theehuis een belangrijke rol in de relatie tussen binnen en buiten.
Een blik op de vuurvaste structuren die bekend staan als kura-zukuri in het Kawagoe district brengt ons terug naar de Edo periode. Ook bekend als “Klein Edo”, stond Kawagoe bekend om zijn welvarende handel.
Helaas leed het stadje in de jaren 1800 onder verwoestende branden en ruïnes. Dus begon de wederopbouw met pakhuizen met lemen muren om verdere schade te voorkomen.
De beroemde gassho-zukuri boerderijen van Shirakawa-go zijn uitstekende voorbeelden van traditionele Japanse architectuur. Letterlijk vertaald als “Gebouwd als biddende handen”, is gassho-zukuri een bouwstijl met rieten dak, ontwikkeld om zware sneeuwval in de winter te verdragen.
De aard van de door de A-frame techniek gecreëerde ruimte maakt een grote graanschuur voor het kweken van zijderupsen mogelijk. De gassho-zukuri-boerderijen, die zich uitstrekken van Gifu tot de prefectuur Toyama, staan nu op de Werelderfgoedlijst van UNESCO en behoren zeker tot de top 10 van steden in Japan waar men van wintersneeuw kan genieten.
De Edo-periode nam afstand van het simplistische en sobere tuinontwerp van de Momoyama-periode die eraan voorafging en bracht een gevoel van extravagantie met zich mee voor de hogere klassen van de samenleving.
Tuinen ontworpen voor lange, vredige, zelfs meditatieve wandelingen werden aangelegd met kunstmatige heuvels, vijvers en een overvloed aan natuurlijke elementen zoals planten en bamboe. Hoewel deze wandeltuinen oorspronkelijk werden aangelegd voor de privé-woningen van feodale heren, verschoof de grens in de Meiji-periode van privé naar openbaar. Dit is te zien in Kyoto bij de Katsura Keizerlijke Villa.
Een tuin ontworpen om de ruimte te observeren, niet om hem te bewonen. Als u geïnteresseerd bent, bekijk dan onze reisaanbevelingen om de unieke schoonheid van Japanse tuinen te ontdekken, of u nu in Tokio bent of in Amerika.
6. De Japanse kunst van de moderne architectuur
De naoorlogse Japanse architectuurbeweging, met de toepasselijke naam Metabolisme, was een initiatief om in het hart van een stad levende en ademende (bijna biologische) mechanismen en structuren in te bouwen die met en voor de inwoners van een metropool zouden evolueren. Het was een beweging als reactie op de massale verhuizing naar de stadscentra en de groeiende economische rijkdom in Japan tijdens het zeepbellen tijdperk.
Een van de beroemdste creaties uit deze periode is het Nakagin Capsule Building in Ginza, ontworpen door Kisho Kurokawa in 1972, en hier prachtig vastgelegd door fotograaf Tom Blachford in zijn collectie Nihon Noir. Dit commerciële appartementencomplex bestaat uit kleine, verplaatsbare ingerichte kamers, of cellen, die individueel geïnstalleerd en met elkaar verbonden zijn. Het ontwerp moest modern zijn, zelfs futuristisch, en voorzien in de praktische behoeften van de hardwerkende, eenzame loontrekker van die tijd.
Het meest opmerkelijke aan deze beweging was de intentie om te anticiperen op de behoeften of nog onbekende behoeften van de toekomstige koper van een ruimte. Nakagin is een monument geworden voor kunstenaars, architecten en de incidentele nieuwsgierige voorbijganger, en staat symbool voor de beweging die er was. De bouwvallige staat ervan heeft echter voortdurend de discussie aangewakkerd over de sloop ervan, een lot dat nog moet worden bepaald.
In dezelfde geest van hoop en verwachting ontwierp de beroemde Japanse architect Kenzo Tenge het Hiroshima Peace Memorial Park. Het park werd aangelegd kort na de Tweede Wereldoorlog en de Amerikaanse bezetting die rond 1952 eindigde. Daarom belichaamt het ontwerp de complexe emoties die ontstonden over westerse invloed, nationalisme en de wens om elementen van de traditionele Japanse architectuur te behouden.
Wat begon als een project om te vertegenwoordigen wat modern en internationaal is, veranderde in Tenge’s gelijktijdige waardering van de Japanse traditie. Dit heeft geleid tot een nieuwe opvatting over design. Het is belangrijk, vooral voor Tenge, om Japans design te onderscheiden van westerse invloeden.
Hedendaagse Japanse architectuur is in Japan tegenwoordig te zien in de Sendai Mediatheek van Toyo Ito, gebouwd in 2001, hier gefotografeerd door Naoya Hatakeyama. Dit bouwwerk is een uitstekend voorbeeld van de evolutie naar vrijheid van expressie in de moderne Japanse architectuur. De open structuur en het gebruik van buizen in het media cultureel centrum nodigen uit tot gemeenschap tot ruimte, en ruimte tot gemeenschap. “Het begon met het beeld van iets dat in een aquarium dreef. Zegt Toyo Ito in een video-interview van Richard Copans.
Het milieuvriendelijke gebouw is visueel aantrekkelijk en biedt een overvloed aan ruimtelijke activiteiten binnen de structuur, waaronder een galerieruimte, bioscoop, bibliotheken, café en meer. Trouw aan de Japanse esthetiek en het Japanse gevoel kan de ruimte veranderen met het licht van de seizoenen, waarbij de straatbomen zichtbaar zijn vanaf verschillende uitkijkpunten in het gebouw.
Een van Japans bekendste en meest alomtegenwoordige hedendaagse architecten is Tadao Ando. Ando staat bekend om zijn experimenten met beton en de manier waarop zijn ontwerpen het denken over ruimtegebruik uitdagen. Hij is een van de kunstenaars die het eiland Naoshima in de jaren tachtig hielpen redden van de bevolkingsdaling. Zijn werk, Benesse House Museum, speelt met de relatie tussen architectuur, natuur en kunst.
Ando is een autodidactische architect, die als auteur kan worden geïdentificeerd. Alsof het doet denken aan Junichiro Tanizaki’s essay “In Praise of Shadows”, speelt een karakteristiek ontwerp van Ando met schaduwen, licht en patronen. Hij zegt dat zijn werk de “intieme relatie tussen materie en vorm, en tussen volume en menselijk leven” weerspiegelt. Om een beter idee te krijgen van zijn werk, bekijk deze 10 iconische Tadao Ando gebouwen die je moet bezoeken.
In de geest van minimalistische eenvoud en gemeenschappelijk wonen ontwierp Ryue Nishizawa het Moriyama House, dat in 2005 werd voltooid. Dit ontwerp is een metafysische voorstelling van de relatie tussen een inwoner en zijn gemeenschap, of liever van het samenleven met zichzelf en anderen. Het ontwerpen van een huis voor een klant is persoonlijk en gevoelig, wat de rol van de architect zowel uitdagend als opwindend maakt.
Hoe ontwerp je, terwijl je voldoet aan of anticipeert op de behoeften van een mens? In het Moriyama Huis ontwierp Nishizawa afzonderlijke, rechthoekige huizen, of “volumes”, en rangschikte ze in één groep. Als gevolg daarvan bevatten sommige eenheden een enkele functieruimte en hebben andere “mini-huizen” een meer complete inrichting. Moriyama zelf prijst de “mini-woningen” en zo ontstond een kleine gemeenschap gebaseerd op dit Japanse minimalisme, dat de grens tussen privé en publiek, gedeeld en gescheiden, naast andere binaries in de architectuur en het dagelijks leven, doet vervagen.
Een van de meest modieuze architecten van dit moment in de hedendaagse Japanse architectuur is Kengo Kuma, wiens relatie tot de natuur in veel van zijn werk opvalt. Als architect kruist hij de rivier tussen ontwerper en ambachtsman, waarbij hij zich concentreert op het materiaal en hoe het wordt gemaakt. Zijn essay, Studies in Organic, gaat over het belang van de relatie tussen de ambachtsman en de architect.
Door de traditionele architectuur opnieuw uit te vinden past de hedendaagse architect aspecten van de natuur toe op een moderne wereld en creëert hij duurzame structuren. In zijn gerenoveerde werk, Fujiya Ryokan, kan men zien hoe een eeuwenoud gebouw is verzorgd en verfijnd. Zijn ontwerpen lijken op het eerste gezicht eenvoudig, maar een nadere beschouwing onthult een dieper en betekenisvoller begrip van een vakman aan het werk.
7. De toekomst van de Japanse kunst
De Japanse hedendaagse kunst van de 21e eeuw weerspiegelt de opkomst van de talenten van de archipel. Creatief en innovatief wat betreft gebruikte materialen en experimenten. Tegenwoordig gaan kunstenaars snel van het ene medium of de ene soort kunst naar de andere. Het is bijvoorbeeld niet ongewoon dat een manga-ontwerper zich met mode bezighoudt en omgekeerd. Deze Japanse ontwerpers doorbreken grenzen en kaders met hun artistieke visie. Of het nu in manga is of anderszins. Hun creatieve en artistieke talenten zijn niet meer te bewijzen.
In een ander register. Ook de kunstenaar Takashi Murakami heeft er plezier in codes te breken en de regels van de moderne en hedendaagse kunst te doorbreken. Hij verrast ons in elk van zijn werken en tentoonstellingen, hij houdt ervan zijn publiek te shockeren. Zijn tentoonstelling in het kasteel van Versailles is daar een ideale illustratie van. Hier mengt hij zeer traditionele kunst en PoP cultuur. Deze hybride invloeden maken Murakami tot een van de meest provocerende Japanse kunstenaars van dit moment.
Masayo Fukuda heeft nieuwe technieken ontwikkeld voor de kunst van het kirie, of Japans papiersnijden. Met een enkel vel washi papier. Net als origami. Ze heeft met veel zorg een prachtig zeewezen gebeeldhouwd dat tot leven lijkt te komen in je handen! We vertellen u niet meer en laten u de foto’s ontdekken